No solemos pensar en el Museo del Prado como un lugar al que acudir para ver fotografía. Cuando evocamos sus colecciones, lo habitual es que aparezcan los grandes nombres de la pintura. También vemos escenas históricas o retratos que forman parte de nuestra memoria visual. Precisamente por eso resulta tan interesante que el museo dedique ahora una exposición a este medio. «El universo del artista ante la cámara», incluida en el programa «Almacén abierto» y visitable en la sala 60 hasta el 5 de julio de 2026, nos parece una propuesta especialmente valiosa. Esto se debe a que desplaza el foco sin necesidad de grandes gestos.

La muestra explora cómo la llegada de la fotografía transformó la manera de representar, documentar y proyectar la identidad del artista. Además, examina cómo cambió sus espacios de creación entre la segunda mitad del siglo XIX y las primeras décadas del XX. No estamos ante una exposición monumental. Por el contrario, es una de esas propuestas que afinan la mirada. También amplían la conversación sobre qué lugar ocupa la fotografía dentro de un museo como el Prado.

La fotografía y la construcción de la imagen del artista

Uno de los grandes aciertos de esta exposición es recordarnos que el retrato fotográfico nunca fue del todo neutral. Muy pronto, la fotografía se convirtió en una herramienta para afirmar una identidad, proyectar una posición social y reforzar una imagen profesional. Las poses, la ropa, los objetos elegidos y el propio escenario contribuían a construir una determinada idea del artista. La cámara no solo registraba una realidad previa: también colaboraba en su puesta en escena.

El recorrido reúne retratos individuales y de grupo, imágenes tomadas en estudios fotográficos y escenas vinculadas a momentos de sociabilidad y pertenencia a un entorno profesional. También recuerda que, en la segunda mitad del siglo XIX, acudir a un estudio fotográfico se convirtió en un acontecimiento social. La proliferación de estos espacios impulsó formatos como la carte de visite, la tarjeta promenade o la tarjeta París. Estas ayudaron a fijar y difundir nuevas formas de autorrepresentación.

Nos interesa especialmente esta lectura porque humaniza a los creadores. Aquí no aparecen solo como nombres consagrados, sino como personas que posan. Además, cuidan cómo quieren ser vistas y entienden que su imagen también forma parte de su trayectoria.

El taller como espacio de trabajo, aprendizaje y memoria

Si hay otro protagonista claro en la muestra, además de la propia fotografía, es el taller. La exposición nos deja entrar simbólicamente en esos espacios donde la obra todavía está ocurriendo. Y eso tiene mucho valor. Los estudios aparecen como lugares de producción, pero también de aprendizaje, encuentro, representación y convivencia con objetos, herramientas, recuerdos y piezas en proceso.

El Prado reúne fondos procedentes de archivos de artistas como Luis y Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Rafael Rocafull, Cecilio Pla, Agustín Querol, Miguel Blay, Fernanda Francés o Manuel González Santos, entre otros. Ese conjunto permite construir un mapa visual del artista en su estudio. También muestra otros escenarios alternativos de creación.

Entre los ejemplos destacados están la vista del estudio de Federico de Madrazo en Madrid, el atelier de Mariano Fortuny en Roma o distintas escenas en talleres de escultores y pintores como Agustín Querol, Aniceto Marinas, Mariano Benlliure o Cecilio Pla. Gracias a estas imágenes entendemos mejor cómo se organizaban esos lugares. Y hasta qué punto el estudio funcionaba como una extensión de la identidad pública del artista. No era solo el lugar donde se trabajaba. Era también el espacio desde el que se proyectaba una manera de estar en el mundo.

La cámara como testigo del proceso creativo y de otras presencias

Otra de las claves de «El universo del artista ante la cámara» es que no se limita al retrato. También presta atención al proceso creativo, algo que nos parece fundamental. Muchas veces hablamos del arte desde la obra terminada, pero olvidamos que una parte esencial de su sentido está en el camino: en las pruebas, en los cambios, en la relación con los materiales y en los tiempos de elaboración. Aquí, la fotografía aparece como una herramienta capaz de conservar esa memoria del hacer.

La exposición incluye ejemplos muy reveladores, como la documentación del modelado del frontón de la Biblioteca Nacional por Agustín Querol. También se muestra el seguimiento fotográfico del monumento a Mariano Moreno realizado por Miguel Blay. Estas imágenes permiten ver distintas fases del trabajo. Por consiguiente, devuelven espesor a la creación artística.

También valoramos que la muestra se detenga en la presencia femenina en estos espacios. La inclusión del retrato de María Luisa de la Riva en su estudio parisino, así como las imágenes de Fernanda Francés y de alumnas de Cecilio Pla, entre ellas Carolina del Castillo, amplía una historia del arte. Porque demasiadas veces las ha dejado en los márgenes.

Una propuesta que amplía la mirada del Prado

Nos interesa esta exposición porque abre una puerta poco habitual dentro del museo. No compite con los grandes relatos del Prado. Sin embargo, sí los matiza y los ensancha. Nos recuerda que la historia del arte no se compone solo de obras maestras terminadas, sino también de archivos, contextos, procesos, vínculos y formas de representación. Todo eso ayuda a entender cómo se construye una trayectoria artística.

Además, el recorrido permite seguir la evolución material de la fotografía a través de técnicas y soportes como los papeles albuminados, el platinotipo, el ferrotipo, el autocromo o las copias a la gelatina. Ese detalle hace que la muestra funcione también como una pequeña historia del propio medio fotográfico. Asimismo, muestra su consolidación entre el siglo XIX y las primeras décadas del XX.

En un museo donde la fotografía no suele ocupar el primer plano, propuestas como esta resultan especialmente necesarias. Porque afinan la mirada, pues nos invitan a pensar en todo lo que rodea a las obras y porque reconocen un tipo de material que también construye memoria cultural. A veces, son precisamente las muestras más contenidas las que consiguen abrir preguntas más duraderas.